Josef Albers, artista estadounidense de origen alemán, educador y abstracto post-pictórico. Fue enormemente influyente como innovador de estilos como la pintura Colour Field y el Op art. Sin embargo, su mayor logro sigue siendo la creación de la teoría de la interacción del color.
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La vida y el legado
Josef Albers nació en 1888, en Bottrop, Alemania. Después de asistir a la Konigliche Kunstschule en Berlín de 1913 a 1915, se convirtió en un profesor de arte certificado. Albers estudió litografía en Essen y asistió a la Academia de Múnich. En 1920, a la edad de 32 años, Albers entró en la Bauhaus, comenzando a trabajar como vidriero en el taller de vidrio, luego alrededor de 1923, comenzó a enseñar el Vorkurs, un curso de diseño básico; cuando la Bauhaus se trasladó a Dessau, en 1925, se convirtió en Bauhausmeister (profesor), enseñando junto a sus compañeros artistas Paul Klee y Wassily Kandinsky; en este punto, su campo de experiencia incluye vidrio, metal, diseño de muebles y tipografía.
1928. Centro Pompidou, París.
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Con la afirmación definitiva de la dictadura nazi, y el cierre de la Bauhaus, escapó a los Estados Unidos. Logrando asegurar un puesto de profesor en el Black Mountain College, una escuela de arte experimental. Fue aquí donde comenzó a desarrollar sus teorías artísticas. Comenzando con la serie Variant/Adobe (c. 1947), que exploró sistemáticamente la gama de efectos visuales posibles gracias a sutiles variaciones en el color, la forma y el posicionamiento de los elementos de una imagen. Durante este mismo período, comenzó a mostrar su trabajo, tanto sus experimentos estéticos actuales como su anterior fabricación de la Bauhaus.
Homenaje al Cuadrado
En 1949, Albers dejó el Colegio, pasando a servir como presidente del Departamento de Diseño de la Universidad de Yale de 1950 a 1958, donde enseñó la talla de Richard Anuszkiewicz y Eva Hesse. Mientras daba conferencias en Yale, Albers comenzó su más famoso cuerpo de trabajo. Ósea la serie Homenaje al Cuadrado, un ejercicio sobre los efectos ópticos del color dentro de los confines de una forma cuadrada uniforme.
A la edad de 70 años, se fue de Yale. Ampliando sus actividades a la pintura, grabado, murales y encargos de arquitectura, mientras publicaba poesía, artículos y libros sobre teoría del arte. E incluso co-autoría de un mural con su compañero miembro de la Bauhaus, Walter Gropius. En 1971, se convirtió en el primer artista vivo en ser honrado con una retrospectiva individual en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Murió en 1975, en su casa en Haven, Connecticut.
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Albers dejó un profundo impacto en el arte moderno y su historia. Remodelando la educación artística y la pedagogía como la clave para una audiencia futura para el arte. Su enfoque propuesto era no dogmático, no jerárquico, y siguiendo el método científico de observación y experimentación. “Abrir los ojos” de los estudiantes al interrumpir hábitos arraigados de percepción y considerar formas aparte de sus asociaciones convencionales, reducidas a sus características básicas (línea, forma, material, color). Sus estrategias de “difamación”, como dibujar con la mano no dominante, escribir en espejo, explorar ilusiones ópticas y representar espacios “negativos”, agudizar la observación visual, precisión, y la conciencia y ahora son una parte aceptada de la formación académica de los artistas visuales.
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Cuerpo de las obras
Durante su vida, Albers se centró en varias series de pinturas. Realizadas a partir de diseños geométricos similares que dan efectos de ambigüedad, cuyo propósito es explorar sistemáticamente los efectos de la percepción.
Su serie más conocida, “Homenaje al Cuadrado” (serie iniciada en 1949), se compone de simples cuadrados repetidos y superpuestos. Están coloreados con diferentes tonos que crean un efecto óptico de profundidad. La disposición de estos cuadrados se calcula cuidadosamente para que el color de cada cuadrado altere ópticamente los tamaños y las relaciones espaciales de los demás. Estas obras formaron la base de su primera exposición individual. La primera dada a un artista vivo en el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, en 1971.
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Además de las comisiones de pintura y arquitectura, Albers publicó poesía, artículos y libros sobre arte. Por lo tanto, fue una influencia importante en las generaciones de jóvenes artistas. Su principal preocupación era la interacción del color. Es decir, ver lo que sucede entre los colores. El enfoque de Albers hacia los colores es democrático y accesible. Prefería el papel coloreado a la pintura porque el papel permitía el uso repetido de un solo color. Aunque evitó las etiquetas estilísticas, se le atribuye la influencia en el nacimiento de los movimientos de Abstracción Geométrica y Minimalismo.
Su autoimpuesta restricción al monocromo le permitió acercarse al espectro completo con notable confianza. No estaba solo en este enfoque, similar al de otros grandes coloristas: Georges Seurat restringió su paleta a monocromo durante dos o tres años en la década de 1880 también. Y Henri Matisse se centró en el uso prominente negro alrededor de 1918.
La forma del color
Albers no estaba interesado en la ciencia de la mezcla de colores, o de la óptica y la refracción. Su interés en el arte provenía del interés personal – quería saber cómo los seres humanos percibían el color. Dijo:
En una época en la que el aumento de la sensibilidad humana se ha convertido en una necesidad tan obvia en todas las áreas de la participación humana, la sensibilidad del color y la conciencia pueden constituir un arma importante contra las fuerzas de la insensibilidad y la brutalización.
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El objetivo del artista es “revelar y evocar una visión“. Un tema muy querido para la generación a la que pertenecía. Con otras palabras, pero deseando transmitir el mismo mensaje, Klee había declarado que: “El arte no reproduce lo que es visible, sino que hace visible lo que no es siempre “. En la obra de Albers, la determinación de “abrir los ojos” de los que miran proviene de la creencia de que pueden ver lo milagroso en el mundo físico. Y su arte es una manifestación de ello. Para una elección dictada más por la búsqueda de una continuidad temática interna que por el deseo de identificar una evolución cronológica, las pinturas se organizan según tres pautas principales: la línea, la forma y el color.
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